This article summarizes the 30 most important things that cinematographers need to pay attention to. Perhaps there is one that can help you break through the bottleneck that has always been inevitable.
Rappelez-vous, la cinématographie est une pratique durable.
1. Pensée créative
Stanley Kubrick et son directeur de la photographie John Alcott ont conçu pour tourner une scène à la lueur d’une bougie. En conséquence, cette méthode est comme la peinture, libre de toutes sortes de contraintes. Concevoir une solution créative pour les effets visuels que vous souhaitez présenter est un excellent moyen d’améliorer les techniques de prise de vue.
2. Laissez l’image bouger
Maintenir l’activité visuelle et l’attractivité du public est vital pour la conception des verres.
Bien que le réalisateur détermine le style général du film, la conception de programmes de mouvement rentables pour les plans rendra le film plus vivant et réaliste devant le public.
3. Essayez différentes focales
Essayez d’utiliser un objectif grand angle pour prendre des photos en gros plan ou utilisez un téléobjectif pour prendre des photos à champ fixe. Lorsque le temps le permet, toute expérience narrative qui correspond au film vaut la peine d’être tentée. Peut-être trouverez-vous une perspective plus unique pour améliorer l’expressivité de l’histoire.
4. Choisissez le bon équipement
Familiarisez-vous le plus possible avec tous les types d’appareils photo et d’objectifs. Si le réalisateur a besoin de quelque chose de différent, vous devez être préparé, non seulement pour faire des suggestions, mais aussi pour avoir les connaissances nécessaires pour réaliser le tournage. Maîtriser une variété de solutions pour obtenir l’effet désiré fera également de vous un favori des producteurs, ce qui signifie plus d’opportunités d’emploi.
5. Apprenez à analyser les scripts
Les membres de l’équipe de photographie sont même le directeur de la photographie, et parfois ils ne savent même pas où se trouve le tournage en cours dans le scénario. Cependant, pour les directeurs de la photographie, la technologie et la sensibilisation sont indispensables. Vous devez déterminer ce que vous voulez filmer et ce que vous voulez exprimer avant de filmer. N’oubliez pas que vous créez également pour le récit et l’expression du film, pas seulement pour un photographe.
6. Planifiez votre temps à l’avance
Utilisez le logiciel de gestion des plannings de tournage, il est préférable de finaliser tous les arrangements de tournage avec l’équipe de production. Cela signifie que l’utilisation d’un logiciel de planification des horaires pour la gestion des horaires permet de mieux comprendre l’arrangement global du projet. Les membres de votre équipe ont hâte d’aller de l’avant sous votre direction, n’oubliez pas de ne pas les laisser tomber.
7. Ne laissez pas la couleur être trop unique
Tant que la méthode de prise de vue est appropriée, l’association de la couleur et de sa couleur contrastante dans l’image peut enrichir la hiérarchie visuelle. Bien que la plupart d’entre eux proviennent du département de conception artistique, cela nécessite également la coopération d’autres départements tels que l’éclairage et les vêtements pour présenter les meilleurs effets visuels.
8. Mettez le récit en premier
Veuillez tenir compte des acteurs dans votre création globale, car lorsque les lumières illuminent l’environnement de l’acteur, vous utilisez également les lumières pour façonner l’atmosphère générale. Bien qu’il soit nécessaire d’éclairer les acteurs en fonction des marques lumineuses définies, dans certains cas, vous pouvez également régler l’éclairage en fonction du planning, et parfois même les changements sur place apporteront des surprises au tournage.
9. Continuez à recueillir l’inspiration
Selon vous, quel film est la meilleure cinématographie jamais produite ? Quel est votre photographe préféré ? Peut-être que chacun a des goûts esthétiques différents, mais il n’est pas honteux de s’inspirer d’autres œuvres. Orson Wells ne nie jamais qu’il s’est inspiré de la photographie dans “Flying Guanshan” de John Ford, et c’est la ré-innovation de l’inspiration qui a fait de “Citizen Kane” dans l’histoire du cinéma. Laissez un nom.
10. Devenez artiste
Essayez de maîtriser le langage d’expression et de conception des arts visuels et passez plus de temps à comprendre ces grandes œuvres d’art. Les outils pour créer de superbes images peuvent changer, mais ce principe de base n’a pas changé au cours du siècle dernier. Vous devez traiter chaque prise de vue et chaque cadre comme une œuvre d’art soigneusement conçue après un examen minutieux répété.
11. Observez à travers le viseur
Si vous n’avez pas de moniteur, qu’il s’agisse d’un viseur de réalisateur traditionnel, d’un appareil photo, de vos doigts ou même d’un objet encadré, vous pouvez observer l’écran ! Parce que le public ne peut voir que ce qui se trouve à l’intérieur de la boîte, vous devez également utiliser cette boîte pour concevoir l’image. À long terme, tout appareil capable d’entraîner vos yeux à observer le monde du point de vue d’un cadre photo vous aidera à devenir un meilleur photographe.
12. Effectuez un test de lumière dure/douce
La lumière dure et la lumière douce peuvent créer une sensation complètement différente. La lumière dure est plus facile à contrôler que la lumière douce. La lumière dure peut être adoucie, mais la lumière douce ne peut pas être durcie. Si vous voulez contrôler les ombres et ne voulez pas que la lumière vole partout, la lentille de Fresnel est beaucoup plus facile que KINO.
13. Veuillez apporter un appareil photo lorsque vous regardez la scène
Si vous oubliez d’apporter votre appareil photo, vous pouvez utiliser votre téléphone portable pour prendre des photos et enregistrer. Mais idéalement, vous avez besoin d’un appareil photo reflex ou d’un appareil photo sans miroir de la même taille que l’élément photosensible de l’appareil photo. De plus, vous devez également apporter un objectif zoom qui inclut la distance focale de l’objectif que vous avez conçu, afin de pouvoir tester différentes distances focales lorsque vous regardez la scène et trouver une position de caméra appropriée.
14. Faites un tableau des coups
Une fois la scène technique terminée, vous devez commencer à créer un tableau des sous-objectifs, répertoriant les objectifs et les distances focales dont vous avez besoin dans la scène. Lors de la prise de vue, une table de prises de vue bien organisée deviendra l’un de vos outils les plus utiles sur la scène.
15. Choisissez un emplacement approprié
Comprenez les changements à la lumière de votre emplacement choisi au cours de l’année ou de la journée, et enregistrez-le autant que possible. Plus l’emplacement et l’emplacement que vous choisissez pour la prise de vue en extérieur sont bons, meilleurs seront la vue et les paysages que vous obtiendrez, ce qui réduira également dans une certaine mesure la pression de travail de votre équipe.
16. Maîtriser une variété de méthodes pour augmenter le sens de la profondeur
Comme vous le savez peut-être déjà, le sentiment de profondeur que nous ressentons dans le film n’est essentiellement qu’une illusion. Votre cerveau se trompe en lui faisant croire que l’image plane que vous voyez a un sens tridimensionnel de l’espace. Bien qu’il existe de nombreuses façons de créer de la “profondeur” pour l’image, si vous souhaitez élever le niveau de la photographie à un niveau supérieur, vous devez vous débarrasser de certaines astuces et vraiment ouvrir votre esprit pour créer.
17. Ne dites jamais “Laissez-moi réparer plus tard”
Ne comptez pas trop sur la dernière étape ! La photographie argentique la plus représentative et la meilleure dépend généralement du réglage et des effets d’éclairage. Si le contenu requis n’est pas capturé correctement sur les lieux, plus de temps et d’argent seront consacrés à la recréation à l’étape ultérieure.
Donnez-vous du temps pour créer et rappelez-vous que vous avez été embauché en raison de vos compétences et capacités professionnelles en photographie ! Votre producteur vous sera reconnaissant de lui avoir fait économiser autant d’argent, sachant que par rapport au fait de laisser l’équipe artistique corriger quelques petits défauts, le coût de la post-fixation est plusieurs fois plus cher!
18. Ne soyez pas trop prétentieux
rappelles toi! Vous n’êtes peut-être pas la personne la plus expérimentée sur la scène ! Même ceux qui ont de nombreuses années d’expérience et de technologie cinématographique peuvent travailler pour vous ! Surtout votre ingénieur d’éclairage et votre chef d’équipe mécanique, il peut s’agir de personnes bien formées et créatives. Essayez de leur confier votre problème pour le résoudre, et vous ne serez pas déçu!
19. Apprenez à gérer votre équipe de photographes
En fait, le conseil le plus important sur la réalisation de films n’est pas les compétences de prise de vue, mais les compétences d’utilisation des gens. Les membres de l’équipage sont habitués à respecter des modalités de prise de décision claires et claires. Ils peuvent être heureux de faire ces tâches, mais si vous les rejetez toujours à cause d’une chose, ils seront certainement très mécontents. Alors gardez l’esprit clair et respectez-les, assumez la responsabilité de vos erreurs et devenez un leader responsable.
20. Faire une solution globale
Parfois, vous devrez peut-être transporter du matériel, organiser des lumières, installer des pistes ou même installer vous-même des scènes artistiques. Vous devez comprendre le contenu du travail de chaque poste de l’équipage, afin de pouvoir également mieux comprendre et respecter le travail des autres. Il y aura divers problèmes dans la scène de prise de vue, ce qui signifie également que vous devez savoir quelle position devrait être responsable du problème afin de résoudre le problème plus efficacement.
21. Utilisez des œuvres pour montrer vos compétences
Les choses seront endommagées et l’équipement sera obsolète. Parfois, dépenser des centaines de milliers de caméras et d’équipements haut de gamme ne vous apportera pas de travail. Le travail de la photographie consiste à apprendre à évaluer les limites et les avantages de votre propre équipement et à combiner vos compétences en matière de prise de vue pour obtenir le meilleur effet d’image en fonction des conditions existantes.
22. N’empruntez jamais d’argent pour économiser de l’équipement
Investir doit être prudent, sachant que la compréhension de vos propres avantages et le maintien d’une bonne relation de coopération sont bien plus importants que la quantité d’équipement dont vous disposez. Une fois que les producteurs sauront que vous disposez de ces équipements « haut de gamme », ils vous embaucheront, mais ils voudront peut-être simplement utiliser l’équipement gratuitement, ou du moins avec de nombreuses réductions. Si cela continue, votre investissement en équipement peut ne jamais être en mesure de récupérer.
23. Comprendre la technologie des drones
Si vous souhaitez maintenir une bonne communication avec votre opérateur de drone, vous devez comprendre ce que le drone peut et ne peut pas faire. Bien que ce type de connaissances techniques concerne les drones, le tir au drone est devenu de plus en plus important et vous devez y prêter attention. Faites de votre mieux pour les étudier, au moins pour savoir quand et comment vous pouvez utiliser des drones.
24. Un bon photographe doit savoir que ça suffit
s’il vous plaît rappelez-vous! La durée d’attention du public est très courte ! Gardez-le aussi simple que possible, et la plupart des réalisateurs et producteurs ne peuvent s’en tenir qu’aux 30 premières secondes. Ne rendez pas votre portfolio trop compliqué, de courte durée et de haute qualité, supprimez ces clichés que même vous pensez être ordinaires!
25. Ne vous disputez pas avec d’autres personnes devant les membres de votre groupe
Dans le tournage et la production, il est normal que les opinions divergent. Mais vous devriez écouter les points forts de l’autre personne au lieu de regarder les faiblesses. Interroger le directeur ou d’autres chefs de service devant tout le monde les rend plus résistants aux suggestions car on dirait qu’ils ont perdu le contrôle. Essayer de communiquer en privé peut également éliminer cet embarras. Après tout, tout le monde essaie d’améliorer le film.
26. Développer et suivre les procédures de travail
En tant que photographe, Art Adams a déclaré : « Planification, éclairage, répétition, réglage fin, prise de vue. Répétez, répétez chaque étape avant de régler, pour terminer la prise de vue. C’est vraiment important ! Si les acteurs ne peuvent pas être présents, ils doivent utiliser des substituts légers et s’assurer qu’ils sont au moins similaires en taille, en forme de corps et en couleur de peau. Vous savez, toutes les techniques de prise de vue du monde ne peuvent éclairer une personne absente!
27. Développer l’habitude de regarder les annonces
Le service de production vous enverra des annonces tous les jours, et vous devez également vouloir savoir quel contenu est le plus important. Dans l’avis, le service de production énumérera en détail les détails importants du tournage du lendemain, et vous devez vérifier attentivement l’avis quotidien. Car, en tant que photographe, il se peut que de nombreuses personnes vous consultent.
28. Testez l’appareil photo avant de prendre des photos
Apprenez à utiliser les cartes de résolution, les cartes de couleur et les mannequins pour effectuer des tests de caméra traditionnels et effectuez ces tests la première fois que vous obtenez la caméra. Cultivez-vous pour développer une habitude de test fixe, afin que vous puissiez clairement comprendre la situation de l’appareil photo avant la prise de vue, et vous pouvez ajuster les méthodes d’éclairage et de prise de vue à l’avance.
29. Choisissez une vitesse d’ouverture appropriée
Changer l’engrenage d’ouverture pour chaque objectif rendra le changement de profondeur de champ trop évident, et cela entraînera également une modification de la netteté de l’image. Pour chaque scène, vous devez déterminer un paramètre d’exposition de base et, dans la même scène, utiliser ce paramètre d’exposition pour prendre des photos sous tous les angles. Gardez à l’esprit qu’ouvrir l’ouverture au maximum signifie souvent la perte de netteté de l’image. Veuillez déterminer si vous avez besoin d’une telle profondeur de champ.
30. Essayez d’innover
Please always urge yourself to innovate! Although I mentioned it before, what I want to emphasize here is that “you can’t bear to let your children get caught up with wolves”. Only if you dare to take risks can you gain. Don’t be afraid to break the rules set by these predecessors, after all, rules are used to break. However, you must be safe before you develop a good shooting habit. Not just you, but also your equipment!